LA IMAGEN FOTOGRÁFICA COMO MEDIO DE EXPRESIÓN
¿Te suena la mítica Agencia Magnum? Fue la gran responsable de promover un fotoperiodismo de calidad a través de un grupo de prestigiosos fotógrafos y fotógrafas que pusieron a su servicio su cámara y su visión del mundo. Entre ellos, destacan...
Dorothea Lange fue un claro ejemplo de superación en lo personal y en lo profesional, huyendo de los estereotipos de una época convulsa y oscura. A pesar de el gran número de fotografías que realizó, toda su obra queda resumida en una sola imagen. "La madre migrante", clasificada una de las fotografías más reproducidas de todos los tiempos por la experta en fotografía, Sally Stein.
Esta fotógrafa captó esta imagen con un propósito de denuncia social más que de contundencia estética. Es una síntesis de el difícil periodo de la historia contemporánea estadounidense. Es un compendio de belleza estética, testimonio documental y un motivo fotográfico que toca el corazón humano.
Se trata de fotografía artística-documental con un fin de concienciar a la sociedad en la que encontramos una mujer adulta entre dos niños pequeños apoyados en sus hombros.
La mujer junto a los niños viste con ropa sucia y antigua, además de parecer cansados. El pequeño niño de la parte izquierda de la imagen es menos que el de la derecha. Estos se encuentras apoyados en la que aparentemente es su madre con gran tristeza y agotamiento. La mujer de edad mediana se encuentra mirando hacia algo que no podemos acertar de qué se trata. Por lo que se produce la ley de la mirada, deja un espacio delante de la mirada de la modelo para que no cree sensación de asfixia o agobio. El espacio libre queda por debajo del sujeto ara que la imagen gane atractivo y sea más interesante, despierta curiosidad en aquellos que la observan.
Tiene un formato rectangular y vertical con una compleja distribución de formas. La postura de los críos es una posición muy estudiada para intentar transmitir pena y sentimiento de "no poder más". El ángulo de la toma es frontal y el enfoque central, para mostrar el interés en los personajes. Observamos una imagen en blanco y negro. Al despojar el color, nos centramos en la disposición de forma y elementos. Tratamos un blanco y negro con un gran contraste y expresión de elegancia, fuerza y estabilidad. La luz es natural, proviene de la luz solar. Es una luz directa, al igual que su dirección y dura. No encontramos ningún tipo de cuerpo de texto, eslogan o logotipo-marca. Existe algo de simetría al colocar a un niño a cada lado de su madre en cada parte de la imagen (derecha e izquierda).
Lange captó una madre solitaria y sufrida que protegía por encima de cualquier cosa a sus hijos y que, a pesar de su adversidad, logra que su familia salga adelante con dignidad. Además la fotógrafa no solo tomo esta imagen, sino que posteriormente, contactó con el gobierno y gestionó que enviarán toneladas de comida a la comunidad de campesinos en desgracia de Nipomo, California.
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Robert Capa reportó la actividad de guerra, con cámaras pequeñas que le permitían llegar donde no se había llegado antes y jugándose la vida para conseguir imágenes de los principales conflicto del siglo XX. Entro todas sus imágenes destaca la fotografía "Muerte de un miliciano".
Se duda fuertemente de su veracidad. Incluso se llega a pensar que Capa era un adelantado a su tiempo y supo ante que nadie que la fotografía no solo tiene una verdad.
Percibimos un soldado, cayendo tras ser disparado. Es una fotografía documental-periodística.
En la imagen se observa un soldado de la guerra, es decir, un ciudadano normal y corriente armado por una situación bélica, que cae abatido por un disparo directo. Se ubica en un paisaje natural, al exterior, al aire libre.
Tenemos un formato rectangular y horizontal con una distribución de formas desequilibrada, el personaje se sitúa en la izquierda. El hombre se sitúa en el centro de la imagen con un plano entero. Existe un ángulo frontal y un enfoque central, mostrando su máximo interés en la figura del soldado. La luz es natural, proviene del sol, por lo que es directa, al igual que su dirección. Esto provoca una luz dura y fuerte. Observamos una imagen en blanco y negro. Al despojar el color, nos centramos en la disposición de forma y elementos. Tratamos un blanco y negro con un gran contraste y expresión de elegancia, fuerza y estabilidad. No encontramos ningún tipo de cuerpo de texto, eslogan o logotipo-marca. No existe ningún tipo de simetría, pues el modelo se ubica en la parte izquierda de la fotografía.
Esta imagen busca algo llamativo para que la masa responda. No enseña actos comunes en las guerras como el desfile de soldados o muertos en el campo de batalla. Sino, todo lo que ve un soldado en las trincheras, poder sentir la sangre y el miedo de todo aquel que está ahí de verdad. Se cree que esta foto no es totalmente real, sino con un sentido de dar espectáculo bélico para logra una mayor venta de periódicos
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Cristina García Rodero fue la primera española en formar parte de la prestigiosa Agencia Magnum. Fotógrafa del comportamiento humano y contradicciones dela existencia. Profundiza en las tradiciones y ritos que han sobrevivido durante siglos, y las nuevas creencias y manifestaciones, frutos de cambios económicos y políticos, de las necesidades actuales y los conflictos sociales.
Cristina nos propone una nueva forma de ver la India, un mundo complejo y fragmentado, a través de unas de sus más famosas obras "Tierra de sueños".
Se trata de una mujer colocada en el centro de una pared amarilla. En esta fotografía periodística-documental encontramos una adolescente con rasgos y ropaje propio de la cultura india. La mujer vestida con un traje amarillo con adornos en tonalidades rojas, plata y negras, tiene colocado sobre su cabeza un sombrero de flores coloridas que se apoyan sobre sus hombros y su pecho. Además de llevar varios collares, anillos y pulseras de distintos colores. Se encuentra sujetando una especie de herramienta de tela utilizada para transportar elementos.
Obtenemos un formato vertical y apaisado con una distribución de masas equilibrada. La mujer se encuentra en el centro de la imagen con un plano americano, es decir, un plano medio-largo que recorta la figura por la rodilla aproximadamente. El ángulo de la toma es frontal y el enfoque central, pues muestra su interés en el personaje a quién se realiza la fotografía que está ubicado en el centro. Los colores predominantes son cálidos, encontramos tonos como el rojo, algún matiz de rosa, varias tonalidades de amarillo y algunos detalles en naranja. Destaca el color amarillo. Estos colores cálidos expresan cercanía, vitalidad o dinanismo. La luz es artificial, procedente de un foco. Por lo que su dirección es directa y su luz dura. No encontramos ningún tipo de cuerpo de texto, eslogan o logotipo-marca. Percibimos simetría, pues el lugar en el que se sitúa la adolescente permite esta simetría, ambos lados contienen el mismo espacio.
La autora intenta reflejar la cotidianidad de las personas que hacen vida en la población de Anantapur, India (uno de los países más pobres del mundo). El objetivo principal es intentar sensibilizar al resto del mundo. Acercar la cultura a todas las personas y dar voz a quienes la ignoran.
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Steve MacCurry destaca por el alto grado de empatía con el espectador. Además de saber capturar la esencia de la lucha y la alegría humana. A través de sus imágenes combina la denuncia social y el retrato antropológico, la belleza y la expresividad, todo con una alta calidad técnica y composición.
El fenómeno mas conocido del autor saltó de la portada del ‘National Geographic’ a todo el mundo, fue la imagen de “La muchacha afgana”. Curiosamente la fotografía más importante de toda su obra es la de una niña que lo miró durante unos minutos y se marchó.
Se trata de una imagen periodística-documental estática en la que se encuentra una niña afgana de ojos verdes. La pequeña es una refugiada de inquietante mirada que llamó la atención de MacCurry en su viaje al campo de refugiados de Pakistán. En la fotografía se percibe una joven de ojos verdes con un pañuelo rojo corinto sobre un vestido verde esmeralda y también sobre si cabeza en un fondo verde, no neutro. Su rostro se muestra sucio y cansado, además de confuso por el hecho de que nunca antes le habían fotografiado. Tiene una mirada firme en el objetivo de la cámara.
Tenemos un formato rectangular y vertical con una distribución de formas simple, sin ser estudiada. Pues, toma la fotografía sin ser posada por la modelo y con total naturalidad. El ángulo de la toma es frontal y el enfoque central, mostrando todo su interés en la pequeña. Los colores predominantes son fríos como el verde de sus ojos o de su vestido, además del fondo que expresan calma, tranquilidad, soledad o incluso nostalgia. Y colores cálidos como el pañuelo que rodea su rostro, corinto o el tono de su piel, que expresan cercanía o vitalidad. La luz es natural, proviene del sol. Sin embargo, no es directa, pues esta imagen está tomada en uno de los colegios de Pakistán, en una habitación donde entra luz solar. Por lo que, la dirección procede de una de las ventanas de la clase. No encontramos ningún tipo de cuerpo de texto, eslogan o logotipo-marca. Encontramos algo de simetría al tratarse de una fotografía que parece un retrato.
El autor intentó transmitir la historia de aquella niña. No le importa el tipo de luz, la expresión de su cara ni el trasfondo. MacCurry se centra en el sentido de autenticidad en la fotografía. No existe ningún tipo de pose, solo ofrecía a la lente esa expresión honesta. Expresaba su compromiso con las catástrofes humanitarias, en este caso en concreto, las víctimas de los conflictos armados. El sufrimiento del Tercer Mundo.
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Sebastião Salgado es tan conocido por su activismo en favor de la protección de los bosques y los pueblos indígenas de Brasil como por sus fotografías monocromáticas de alto contraste. Refleja la majestuosidad de los pulmones de nuestro planeta.
Esta es una de las fotografías que más suelen gustar de su obra “Amazônia” que muestra la vida y cotidianidad en 12 comunidades indígenas, que se mezclan con ríos, bosques, montañas y fenómenos naturales únicos.
Esta fotografía muestra el archipiélago de Mariuá sobre el Río Negro, estado de Amazonas en 2019. En esta imagen periodística-documental, se encuentra una selva densa llena de distintos tipos de árboles en la parte inferior de la imagen. En la parte superior de la imagen vemos grandes grupos de nubes rellenando todo el cielo.
Se trata de un formato rectangular y apaisado con una distribución de formas muy compleja, pues se trata de un paisaje natural. El ángulo de la toma es frontal, al igual que el enfoque que es general para captar todo el interés en el paisaje. Observamos una imagen en blanco y negro. Al despojar el color, nos centramos en la disposición de forma y elementos. Tratamos un blanco y negro con un gran contraste y expresión de elegancia, fuerza y estabilidad. La luz es natural, proviene de la luz solar. Es una luz directa, al igual que su dirección y dura. No encontramos ningún tipo de cuerpo de texto, eslogan o logotipo-marca. Existe simetría.
El autor intenta frenar la destrucción del Amazonas, ya que corre a un ritmo escandaloso. Su obra intenta destapar todas las mentiras de los gobernantes que prometen la protección de la naturaleza y que no cumplen con ello. Esta es una denuncia social y política, una llamada a las grandes masas.
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Por lo que, ¿para qué sirve la DENUNCIA SOCIAL en la FOTOGRAFÍA?
La fotografía no es sólo diversión o entretenimiento. No es solo captar los mejores colores utilizando la mejor toma de luz. No solo es una simple pose o una compleja composición. La fotografía es un medio de expresión. A través de una representación visual, tienes la capacidad de transmitir un conjunto de ideas o pensamientos. Es una forma de compartir tus ideas más poderosa de lo que puedes llegar a imaginar.
Muchos autores utilizan este tipo de fotografía para poder producir algo que te incomode especialmente en la sociedad actual. Ya sea de manera sutil o directamente, muestras al mundo tus ideales políticos, religiosos o incluso sociales.
